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In today's post we will talk about one of the most important women in the history of music. Marianne von Martinez, also known as Marianne Martinez, was a noted composer, pianist, and singer of the 18th century classical era. He was born on May 4, 1744 in Vienna, Austria, into a musical family. His father, Nicolás Martínez, was the director of music for the Austrian imperial court and his mother, Maria Theresia Paradis, was a renowned blind pianist. From an early age, Marianne demonstrated great musical talent and began studying piano and singing with her mother. At the age of 15, he began composing his own works, which earned him recognition from the imperial court in Vienna and admission to the prestigious Accademia Filarmonica di Bologna. During her career, Marianne wrote more than 200 works, including operas, sacred music, instrumental and vocal music. Her musical style was characterized by its elegance, refinement and sophistication, which made her one of the most outstanding composers of her time. Despite her great talent and success, Marianne faced many obstacles due to her gender. In the time she lived, women had few educational opportunities and were viewed as intellectually inferior. Despite this, Marianne was not discouraged and continued to compose and perform. Her music became very popular in Vienna, and the imperial court admired her and hired her to give concerts. Marianne was known for her circle of friends and acquaintances in Vienna's high society, which included influential figures such as Emperor Joseph II. He also maintained an intense correspondence with other musicians and friends throughout his life, including Mozart, who dedicated an aria to him in his opera "La clemenza di Tito". Among Marianne's most notable works are her six piano sonatas and her lieder, or songs. He also wrote religious music and works for organ and orchestra. One of his most popular works is "Le Martine", a set of songs for voice and piano based on poems by Voltaire. Marianne never married or had children, spending much of her life caring for her ailing mother and father. After her father's death, Marianne moved to a small house on the outskirts of Vienna, where she continued to compose and give concerts until her death in 1812. Despite her great talent and contribution to music, Marianne von Martinez's work was largely ignored for many years due to its genre and a lack of interest in female composers of her day. However, in recent decades there has been a growing interest in her work and her importance as one of the most outstanding composers of the 18th century has been recognized. Her musical legacy continues to be an inspiration to women seeking to excel in a world dominated by men. Marianne von Martínez En el post de hoy hablaremos sobre una de las mujeres más importantes dentro de la historia de la música. Marianne von Martinez, también conocida como Marianne Martínez, fue una destacada compositora, pianista y cantante de la época clásica del siglo XVIII. Nació el 4 de mayo de 1744 en Viena, Austria, en el seno de una familia musical. Su padre, Nicolás Martínez, era el director de música de la corte imperial austriaca y su madre, Maria Theresia Paradis, era una reconocida pianista ciega. Desde temprana edad, Marianne demostró un gran talento musical y comenzó a estudiar piano y canto con su madre. A la edad de 15 años, comenzó a componer sus propias obras, lo que le valió el reconocimiento de la corte imperial de Viena y la admisión en la prestigiosa Accademia Filarmonica di Bologna. Durante su carrera, Marianne escribió más de 200 obras, incluyendo óperas, música sacra, música instrumental y vocal. Su estilo musical se caracterizó por su elegancia, refinamiento y sofisticación, lo que la convirtió en una de las compositoras más destacadas de su tiempo. A pesar de su gran talento y éxito, Marianne enfrentó muchos obstáculos debido a su género. En la época en que vivió, las mujeres tenían pocas oportunidades de educación y eran vistas como inferiores intelectualmente. A pesar de esto, Marianne no se dejó desanimar y continuó componiendo y actuando. Su música llegó a ser muy popular en Viena, y la corte imperial la admiraba y la contrataba para dar conciertos. Marianne era conocida por su círculo de amigos y conocidos en la alta sociedad de Viena, que incluía a figuras influyentes como el emperador José II. También mantuvo una intensa correspondencia con otros músicos y amigos a lo largo de su vida, incluyendo a Mozart, quien le dedicó un aria en su ópera "La clemenza di Tito". Entre las obras más destacadas de Marianne se encuentran sus seis sonatas para piano y sus lieder, o canciones. También escribió música religiosa y obras para órgano y orquesta. Uno de sus trabajos más populares es "Le Martine", un conjunto de canciones para voz y piano basadas en poemas de Voltaire. Marianne nunca se casó ni tuvo hijos, y pasó gran parte de su vida cuidando a su madre y a su padre enfermos. Después de la muerte de su padre, Marianne se mudó a una pequeña casa en las afueras de Viena, donde continuó componiendo y dando conciertos hasta su muerte en 1812. A pesar de su gran talento y contribución a la música, la obra de Marianne von Martinez fue en gran medida ignorada durante muchos años debido a su género y a la falta de interés en las compositoras de su época. Sin embargo, en las últimas décadas ha habido un creciente interés en su obra y se ha reconocido su importancia como una de las compositoras más destacadas del siglo XVIII. Su legado musical sigue siendo una inspiración para las mujeres que buscan sobresalir en un mundo dominado por hombres.

In this new entry we talk about one of the essential readings to learn about some of the most relevant aspects of the neurology of music, Musicophilia. Sacks, the author of the book, affirms that "we are a species as linguistic as musical", and although the phenomenon of music is complex, it is also susceptible to distortions and "diseases". Well, it not only elevates us to great emotional heights or acts as a memory spur, but it can plunge us into depression or push us to obsessive behaviors. The author examines the relationship with the music of ordinary people or professional musicians, to shed light on this phenomenon that dominates our lives so much and about which we know very little. Through phenomena such as «amusia», the hypermusical Williams syndrome, hallucinations, the prejudices of fixation with the iPod or music as an inspiration for terror, Sacks elaborates a lucid analysis of identity and how music is a key factor in creating it, either in a pathogenic way or as a hugely positive agent to treat Parkinson's, dementia or Tourette's syndrome. In this book, in which personalities such as Che Guevara or Ulysses S. Grant appear, Sacks reveals himself once again as a splendid storyteller, with an incomparable eye for detail and exceptional empathy towards characters who, despite their initial extravagance , they end up expressing that humanity hidden under their strange syndromes. And all this, with humor, erudition and the vast scientific and humanistic culture to which we are accustomed. Below we show a presentation with some of the main ideas extracted from this magnificent book. Musicofilia En esta nueva entrada hablamos sobre una de las lecturas indispensables para conocer algunos de los aspectos más relevantes sobre la neurología de la música, Musicofilia. Afirma Sacks, el autor del libro, que «somos una especie tan lingüística como musical», y aunque el fenómeno de la música sea complejo, también es susceptible de distorsiones y «enfermedades». Pues no sólo nos eleva a grandes alturas emocionales o actúa de acicate de la memoria, sino que puede sumirnos en la depresión o empujarnos a comportamientos obsesivos. El autor examina la relación con la música de gente corriente o músicos profesionales, para arrojar luz sobre ese fenómeno que tanto domina nuestras vidas y del que sabemos muy poco. A través de fenómenos como la «amusia», el hipermusical síndrome de Williams, las alucinaciones, los perjuicios de la fijación con el iPod o la música como inspiradora de terror, Sacks elabora un lúcido análisis de la identidad y de cómo la música es un factor clave para crearla, ya sea de una manera patógena o como un agente enormemente positivo para tratar el Parkinson, la demencia o el síndrome de Tourette. En este libro, en el que asoman personalidades como el Che Guevara o Ulysses S. Grant, Sacks se revela de nuevo como un espléndido narrador, con una incomparable intuición para el detalle y una excepcional empatía hacia unos personajes que, pese a su extravagancia inicial, acaban expresando esa humanidad oculta bajo sus extraños síndromes. Y todo ello, con el humor, la erudición y la vastísima cultura científica y humanista a que nos tiene acostumbrados. A continuación mostramos una presentación con algunas de las ideas principales extraídas de este magnífico libro.

Rosslyn Chapel is a historic chapel located in the village of Roslin, near Edinburgh, Scotland. It was built at the end of the 15th century by Sir William St Clair, a Scottish nobleman of the time. The chapel is known for its intricate decoration and mysterious symbolism, which has contributed to its reputation as one of the most fascinating and intriguing places in Scotland. The chapel has a unique Gothic architecture, with detailed details and a large number of symbols carved into its stone. The chapel's pillars are particularly notable, with detailed figures depicting everything from musicians and dancers to animals and mythological creatures. Some of the pillars are also said to contain occult symbolism and esoteric messages. In addition to its architecture and symbolism, Rosslyn Chapel also has a rich history. For centuries, it has been a place of worship and pilgrimage, and has been visited by numerous historical personalities, including Queen Victoria and the Scottish writer Sir Walter Scott. It has also been mentioned in several literary works and has become a popular destination for tourists and fans of esotericism and history. The musical pillars For more than 500 years, no one knew for sure what was the meaning that was transmitted through the symbolism of the different engravings found on certain pillars, above all, on its central pillar and its respective arches, mainly due to the fact that they do not have any type of engraving. of known writing or religious symbol and 'only' consist of irregular patterns formed from 215 cubes decorated with peculiar geometric figures perfectly defined on their outer face and a group of angels with musical instruments that surround them and seem to watch them with careful attention. In 2007 the Scottish pianist Thomas Mitchell and his son Stuart Mitchell finally discovered the hidden message. After studying the cubes for years, they came to the conclusion that they form 13 different patterns that fit perfectly with several of the patterns described in the 18th century by the German musician and mathematician Ernst Chladni, who spent much of his life in the study of the visible encoding of vibratory and sound waves through the use of a mechanical means. To carry out his experiments, Chladni used metal plates which he covered with a perfectly regular thin layer of extremely fine salt. Then, using different calibrated mechanical instruments, he produced intense sound frequencies behind the plate, frequencies that, after passing through the plate, disturbed the salt layer with their vibrations, leaving well-defined geometric patterns as a result, which he patiently cataloged and annotated. Finally, it was observed that the geometric patterns formed by several of the cubes corresponded perfectly to several of the patterns described by Chladni more than 300 years after the chapel was built and, in addition, one of the angels that adorned the central pillar indicated the tone. and the beginning of the melody. Finally, thanks to these discoveries, and his work decoding and translating the different cubes into modern musical notation, Thomas Mitchell managed to bring together four singers and eight experienced musicians with medieval musical instruments to perform this work, giving rise, after 550 years, to what is now known as the Rosslyn Motet. La Capilla de Rosslyn La Capilla de Rosslyn es una capilla histórica ubicada en el pueblo de Roslin, cerca de Edimburgo, Escocia. Fue construida a finales del siglo XV por Sir William St Clair, un noble escocés de la época. La capilla es conocida por su intrincada decoración y simbolismo misterioso, que ha contribuido a su reputación como uno de los lugares más fascinantes e intrigantes de Escocia. La capilla tiene una arquitectura gótica única, con detalles detallados y una gran cantidad de símbolos tallados en su piedra. Los pilares de la capilla son particularmente notables, con figuras detalladas que representan todo, desde músicos y bailarines hasta animales y criaturas mitológicas. También se dice que algunos de los pilares contienen simbolismos ocultos y mensajes esotéricos. Además de su arquitectura y simbolismo, la Capilla de Rosslyn también tiene una rica historia. Durante siglos, ha sido un lugar de culto y peregrinación, y ha sido visitada por numerosas personalidades históricas, incluyendo a la Reina Victoria y el escritor escocés Sir Walter Scott. También ha sido mencionada en varias obras literarias y se ha convertido en un destino popular para los turistas y aficionados al esoterismo y la historia. Los pilares musicales Durante más 500 años nadie supo a ciencia cierta cuál era el significado que se trasnmitía a través del simbolismo de los diferentes grabados hallados en ciertos pilares, sobretodo, en su pilar central y sus respectivos arcos, debido, principalmente, a que no poseen ningún tipo de escritura o símbolo religioso conocido y ‘solamente’ constan de patrones irregulares formados a partir de 215 cubos ornados con peculiares figuras geométricas perfectamente definidas sobre su cara exterior y un conjunto de ángeles con instrumentos musicales que los rodean y parecen mirarlos con cuidadosa atención. En el año 2007 el pianista escocés Thomas Mitchell y su hijo Stuart Mitchell por fin descubrieron el mensaje oculto. Tras estudiar los cubos durante años, llegaron a la conclusión de que los mismos forman 13 patrones distintos que encajan a la perfección con varios de los patrones descritos en el siglo XVIII por el músico y matemático alemán Ernst Chladni, quien empleó gran parte de su vida en el estudio de la codificación visible de ondas vibratorias y sonoras mediante la utilización de un medio mecánico. Para realizar sus experimentos Chladni utilizaba placas metálicas a las cuales cubría con una fina capa perfectamente regular de sal extremadamente fina. Luego, utilizando distintos instrumentos mecánicos calibrados producía intensas frecuencias sonoras detrás de la placa, frecuencias que tras atravesar la placa perturbaban con sus vibraciones la capa de sal dejando como resultado patrones geométricos bien definidos los cuales catalogaba y anotaba pacientemente. Finalmente se observó que los patrones geométricos formados por varios de los cubos correspondían perfectamente a varios de los patrones descritos por Chladni más de 300 años después de que la capilla fuera construida y, además, uno de los ángeles que adornaban el pilar central indicaban el tono y el comienzo de la melodía. Finalmente, gracias a estos descubrimientos, y su trabajo de descodificación y traduccion de los diferentes cubos a notación musical moderna, Thomas Mitchell consiguió reunir a cuatro cantantes y a ocho músicos experimentados con los instrumentos musicales medievales para representar esta obra, dando lugar, después de 550 años, a lo que hoy se conoce como el Motete de Rosslyn.

In this post we will talk about a key concept within educational psychology and its possible repercussion within music education. In this case we refer to the concept of zone of proximal development. The zone of proximal development (ZPD) is a key concept in Lev Vygotsky's theory of cognitive development. According to this theory, learning occurs in the interaction between the individual and his sociocultural environment. The ZPD refers to the distance between an individual's current developmental level and their maximum developmental potential, which they can achieve with the help of an adult or a more capable peer. This ZPD starts from the zone of real development, that is, from what the student is already capable of doing on their own, and is projected towards the zone of potential proximal development, that is, to the skills that have not yet been developed. but that you can learn with the right help. Within music education, this concept has very interesting implications, since, taking into account this ZPD, the different didactic strategies can be designed taking into account that the students will evolve in a more precise and favorable way if learning occurs through collaboration. between the student and a more capable tutor or peer. Therefore, promoting group classes through different methodological strategies based on cooperative work, through groups that are as heterogeneous as possible, will be of great benefit to our students, since we will offer them the possibility of going through this ZPD in the most appropriate and effective. Zona de desarrollo próximo en la educación musical En esta entrada hablaremos sobre un concepto clave dentro de la psicología educativa y su posible repercusión dentro de la educación musical. En este caso nos referimos al concepto de zona de desarrollo próximo. La zona de desarrollo próximo (ZDP) es un concepto clave en la teoría del desarrollo cognitivo de Lev Vygotsky. Según esta teoría, el aprendizaje se produce en la interacción entre el individuo y su entorno sociocultural. La ZDP se refiere a la distancia entre el nivel de desarrollo actual de un individuo y su potencial de desarrollo máximo, que puede alcanzar con la ayuda de un adulto o un compañero más capaz. Esta ZDP parte de la zona de desarrollo real, es decir, de lo que el alumno o alumna ya es capaz de realizar por sí misma y se proyecta hacia la zona de desarrollo próximo pontencial, es decir, a las habilidades que aún no ha desarrollado pero que puede aprender con la ayuda adecuada. Dentro de la educación musical este concepto tiene implicaciones muy interesantes, ya que, teniendo en cuenta esta ZDP las diferentes estrategias didácticas se pueden diseñar teniendo en cuenta que el alumnado evolucionará de manera más precisa y favorable si el aprendizaje se produce a través de la colaboración entre el estudiante y un tutor o compañero más capaz. Por lo tanto, fomentar clases grupales a través de diferentes estrategias metodológicas basadas en el trabajo cooperativo, mediante grupos lo más heterogéneos posibles, serán de gran beneficio para nuestro alumnado, ya que les ofreceremos la posibilidad de transitar esta ZDP de la manera más adecuada y eficaz.

This entry is intended to publicize the new edMusik platform, a new blog where different articles related to music education will be shared periodically. Original articles written by different authors who will transmit all their knowledge and experiences to us. History, theory, pedagogy, musical innovation, psychology of music and a long etcetera with which it is intended to generate a cultura repository that over time will become a benchmark in the world of music. Bienvenidos a edMusik Con esta entrada se pretende dar a conocer la nueva plataforma edMusik, un nuevo blog donde se compartirán diferentes artículos de forma periódica relacionados con la educación musical. Artículos originales escritos por diferentes autores que nos transmitirán todos sus conocimientos y experiencias. Historia, teoría, pedagogía, innovación musical, psicología de la música y un largo etcétera con el que se pretende generar un repositorio cultural que a lo largo del tiempo se convierta en un referente dentro del mundo de la música.

Con esta entrada se pretende dar a conocer la nueva plataforma edMusik, un nuevo blog donde se compartirán diferentes artículos de forma periódica relacionados con la educación musical. Artículos originales escritos por diferentes autores que nos transmitirán todos sus conocimientos y experiencias. Historia, teoría, pedagogía, innovación musical, psicología de la música y un largo etcétera con el que se pretende generar un repositorio cultural que a lo largo del tiempo se convierta en un referente dentro del mundo de la música. This entry is intended to publicize the new edMusik platform, a new blog where different articles related to music education will be shared periodically. Original articles written by different authors who will transmit all their knowledge and experiences to us. History, theory, pedagogy, musical innovation, psychology of music and a long etcetera with which it is intended to generate a cultura repository that over time will become a benchmark in the world of music.